Sainte Anne, la Vierge et l'Enfant Jésus jouant avec un agneau

La Vierge, l'Enfant Jésus
et sainte Anne

Artiste	Léonard de Vinci
Date	1502 - 1513
Type	Huile sur bois
Dimensions (H × L)	168 × 130 cm
Mouvements	Renaissance, Haute Renaissance
No d’inventaire	INV 776, MR 319
Localisation	Musée du Louvre, Paris (France)

La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Anne (Santa Anna Metterza), aussi appelée La Vierge à l’Enfant avec sainte Anne, est un tableau de Léonard de Vinci, une peinture à l’huile sur panneau de peuplier qui est conservée au musée du Louvre à Paris. Le début de la lente et complexe genèse du tableau remonterait à 1501, date de sa première mention dans la correspondance d’Isabelle d'Este. Léonard de Vinci ne cessa ensuite de perfectionner cette composition ambitieuse, qu’il laissa inachevée à sa mort en 1519.

Histoire

La genèse de l'œuvre est particulièrement longue. Un premier dessin représente la « sainte Anne trinitairesainte Anne trinitaire », avec, en plus, Saint Jean-Baptiste enfant au côté de Jésus. Sa datation est incertaine, comprise entre 1499 et 1510. Un deuxième dessin, perdu, date de 1501, a été décrit par l'un des disciples de Léonard. Il existe, au total, une quinzaine de dessins connus, préparatoires sur les têtes des personnages. Léonard parla à propos de ces expérimentations de « componimento inculto » (« esquisse informe »). Il existe également plusieurs copies contemporaines du tableau, faite par son atelier et permettant ainsi de voir l'évolution de ce dernier. Il est possible que l'œuvre reste inachevée, le paysage étant moins « fini » que les portraits (confirmation par la restauration en 2010 qui révèle plusieurs zones inachevées) mais cet « inachèvement » est peut-être volontaire.

Léonard rejoint la cour de François I^er en apportant avec lui quelques chefs-d’œuvre peints durant ses années d’errance, comme ce tableau, la Joconde et le saint Jean-Baptiste.

Quelques mois avant la mort de l’artiste en 1519, cette œuvre a été acquise par François I^er auprès de Salai, l'élève de Léonard de Vinci, ayant alors probablement servi de retable dans une chapelle royale d'un château dans le Val de Loire. Sortie des collections royales à une date inconnue, elle est achetée par le cardinal de Richelieu puis donnée par celui-ci à Louis XIII en 1636 et passe à la Couronne de France qui la fait entrer au Louvre en 1797 sans que son auteur soit véritablement établi. Elle rejoint les chefs-d’oeuvre comme La Joconde dans le Salon Carré du Louvre au milieu du XIX^e siècle, date à laquelle elle est attribuée à Léonard de Vinci malgré les controverses.

En effet, dans le recueil biographique Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, son auteur le père de l'histoire de l'art Giorgio Vasari affirme en 1550 que Léonard de Vinci n'a jamais peint de sainte Anne et qu'il en serait resté aux cartons préparatoires. Ce tableau est dès lors considéré comme une copie ancienne d'atelier, Léonard de Vinci étant juste à l'origine du concept. Cependant plusieurs témoignages confirment progressivement au XIX^e siècle l'existence d’un tableau autographe.

C’est une œuvre souvent reproduite en gravure, y compris les dessins préparatoires de Léonard : le carton préparatoire pour la Vierge, sainte Anne, l’enfant et le petit saint Jean est conservé à la National Gallery de Londres, il a été ensuite gravé par Laugier, par Cantini, par Landon.

À l'occasion de l'inauguration du musée Louvre-Lens en décembre 2012, le tableau est prêté pour une période de trois mois et est exposé dans l'exposition temporaire 'Renaissance' de ce musée.

Le thème

C'est celui de la « Sainte Anne trinitaire » où voisine Sainte Anne, la Vierge Marie et l'enfant Jésus. D'après la tradition, Sainte Anne meurt avant la naissance de Jésus et le thème est donc plus symbolique, réunion de trois générations. Ce thème pictural apparaît au XIII^e siècle et connaît son apogée au XV^e siècle.

L'agneau symbolise le sacrifice. Les premières esquisses de l'œuvre montrent Sainte Anne tentant de retenir le geste de la Vierge vis-à-vis de son fils. Le tableau terminé montre, au contraire, une attitude retenue de Sainte Anne, acceptant symboliquement le destin de son petit-fils.

Composition

Un groupe de quatre personnages grandeur nature formant une pyramide avec une idée de spirale, composition géométrique dynamique chère à de Vinci : au centre, la Vierge assise sur les genoux de sainte Anne, sa mère. À ses pieds, sur la droite en bas du groupe, l’Enfant Jésus qui enlace et enjambe un agneau sacré, semble s’échapper des mains de sa mère.

Les têtes des quatre personnages sont alignées en une diagonale tombant vers la droite, trois différents sfumatos moulant les visages des trois personnes. Leurs pieds sont dans l'eau, évoquant peut-être le baptême ?

Jeux de regards entre les protagonistes de la scène : Anne regarde Marie qui regarde Jésus qui la regarde à son tour, comme l’agneau qui le regarde.

Si sainte Anne est statique, hiératique, assise, campée sur ses jambes, un bras en appui sur la hanche, Marie adopte une pose plus dynamique, tendue vers Jésus l’enlaçant de ses bras.

Le décor proche est austère, composé de roches, d’un arbre feuillu (symbole de l’infécondité d’Anne ? Élément du paysage fleuri initial qui figurait sur certaines épreuves avant d'être remplacé par un sol rocheux parcouru de filets d’eau ?) un peu plus loin sur la droite, d’une arête nette découvrant un paysage de pics rocheux et montagneux (paysage issu d'une étude géologique et graphique de rochers ) disparaissant progressivement dans un ciel d'azur (blanc à l’horizon, bleu au dessus) dans un sfumato, (comme pour le tableau de la Joconde) une sorte de grisaille, qui laisse à penser un inachevé cher à Vinci.

Technique

Le tableau est fait sur plusieurs planches de peuplier chevillées. La préparation est à base de colle animale et de sulfate de calcium. Il existe des traces de report d'un dessin préparatoire (technique du spolvero), fines perforations esquissant quelques points du dessin, et des traces de repentirs. Les couleurs utilisées sont le bleu de lapis-lazuli, le blanc de plomb, le brun des terres, le rouge de kermès, le vert de cuivre, le jaune de plomb et d'étain.

L'œuvre comporte de très nombreuses couches de glacis. Les coups de pinceaux sont quasi invisibles, peut-être fondues par le doigt de l'artiste, comme l'atteste la présence de traces digitales.

Interprétation freudienne

Le « vautour » identifié par Freud.

Freud, analysant notamment l'ambigüité androgyne des sourires de ses figures de femmes, y voit la preuve de l’homosexualité de Léonard dans son livre Un souvenir d'enfance de Léonard de Vinci.

Angèle Paoli en dit : « Tout cela conduit Freud à établir une relation directe entre l’homosexualité de Leonardo et le mystère crypté des femmes qui sont au centre de sa toile. Homosexualité construite autour de la figure privilégiée de la mère (représentée ici par la Vierge mais aussi par sainte Anne). À partir du souvenir fétichiste du « vautour », évoqué par Vinci dans ses Carnets ( en réalité la traduction du mot italien dans les carnets est erronée, il s'agirait en fait d'un épervier, ou d'un milan, et non d'un vautour) . En effet, pour Freud, Oskar Pfister aurait fait une singulière découverte : « Il a décelé dans le drapé, bizarrement arrangé et malaisé à comprendre, de Marie, le contour du vautour et l’interprète comme image-devinette inconsciente. »

Détails du tableau

Le 18 décembre 2008, à l’occasion d’un décrochage de l’œuvre, Sylvain Laveissière, conservateur au département des Peintures, a découvert trois dessins au revers vraisemblablement de Léonard de Vinci, représentant une tête de cheval (proche de celles conçues par Léonard pour La Bataille d’Anghiari, la moitié d’un crâne ressemblant à l’une de ses études conservées à Windsor, et un enfant tenant un agneau qui rappelle trois dessins préparatoires.

Cette découverte a été l’occasion pour le musée du Louvre d’organiser le 17 juin 2009 une journée d’étude consacrée à la Vierge à l’Enfant avec sainte Anne. Sous la direction de Vincent Delieuvin du département des peintures, cette journée a été l’occasion d’un examen attentif de l’œuvre et a permis l’intervention d’historiens d’art et de divers spécialistes de l’investigation matérielle pour présenter au public les principaux résultats, enjeux et découvertes de cette enquête.

En février 2010, le musée du Louvre a annoncé qu’il allait décrocher le tableau pour qu’il puisse subir une méticuleuse restauration. Cette restauration annoncée sous haute surveillance répond à une urgence en termes de sauvegarde de l’œuvre a précisé Vincent Pomarède, le chef du département. Vincent Delieuvin a précisé qu’« il s’agit d’alléger et uniformiser le vernis, afin qu’il cesse de tirer sur la couche picturale, faire de même avec les paquets formés par des repeints, et enfin retoucher ceux dont la couleur a viré, provoquant ce phénomène de tache. »

La restauration, dirigée par Cinzia Pasquali choisie à l’issue d’un appel d’offres, a débuté fin 2010 au Centre de recherche et de restauration des musées de France, grâce au mécénat de Barry Lam (en), et duré 15 mois.

En mars 2012, le conservateur au département des peintures du musée du Louvre, Vincent Delieuvin, a placé ce chef-d’œuvre de Léonard de Vinci, restauré avec le concours du Centre de recherche et de restauration des musées de France, au cœur d’une exposition exceptionnelle, intitulée "La sainte-Anne, l'ultime chef-d’œuvre de Léonard de Vinci", rassemblant pour la première fois l’ensemble des documents liés à ce panneau. Esquisses de composition, dessins préparatoires, études de paysage et le magnifique carton (dit de Burlington House) de la National Gallery de Londres – jamais présenté à côté du tableau depuis la mort de Léonard – illustrent, entre autres, cette longue méditation et rendent compte des différentes solutions successivement envisagées par le maître. La présentation d’autres œuvres peintes de Léonard de Vinci permet par ailleurs de montrer en quoi la Sainte Anne est le véritable aboutissement des multiples et diverses recherches de l’artiste sur la nature et l’art. Afin de donner toute sa dimension au caractère novateur de cette œuvre, l’exposition la replace dans la tradition iconographique liée à son sujet (la Vierge à l’Enfant avec sainte Anne) et s’intéresse à l’influence considérable qu’elle exerça, sur l’art italien du début du XVI^e siècle et jusqu'à nos jours, en présentant des œuvres de Delacroix, Degas, Max Ernst.

Références

• Le DVD de Palettes intitulé Le Temps des Titans : Découvrez les secrets des maîtres de la Renaissance italienne au travers des 3 œuvres : Le Concert Champêtre de Titien, La Vierge, l’enfant Jésus et Sainte Anne de Léonard de Vinci et le Portrait de Baldassare Castiglione de Raphaël.
• Catalogue d’exposition La Sainte Anne, l’ultime chef-d’œuvre de Léonard de Vinci de Vincent Delieuvin, 448 pages, 300 illustrations, Éditeur Officina Libraria / Éditions du musée du Louvre - mars 2012

Liens externes

• 
  carton préparatoire avec saint Jean
• 
  Sainte Anne et Marie
• 
  Jésus et l'agneau
• 
  Paysage inachevé
• 
  Paysage inachevé

• le tableau sur le site du Louvre
• Notice n^o 000PE025600, sur la plateforme ouverte du patrimoine, base Joconde, ministère français de la Culture
• Sur le livre de Freud
• Comment découvrir le vautour caché dans les plis des robes et vu par Freud
• Un à propos de Philippe Sollers
• L'expo du Louvre sur la restauration de ce tableau, du 29 mars au 25 juin 2012
• La restauration du tableau expliquée par France Culture